Derrière l’apparente facilité du scénario - une équipe de journalistes, chargée de suivre le quotidien nocturne de pompiers barcelonais, se retrouvent au centre d’une intervention qui tourne rapidement au drame - le film se révèle d’un effrayant réalisme grâce à son mode « caméra au poing ». Si efficace que les américains en éditent un remake pour fin 2008.

Récompensé trois fois au festival du film fantastique de Gérardmer, [Rec] est né de l’idée de la matérialisation d’un cauchemar crédible, s’étendant en flux tendu pour maintenir le spectateur en haleine. Mission réussie pour les deux réalisateurs Jaume Balaguero et Paco Plaza qui ont ainsi puisé dans la télé-réalité et dans des jeux vidéo de survival horror. La première bande annonce avait déjà provoqué le buzz, ne dévoilant aucune image du film, mais la réaction de ses spectateurs filmés en caméras infrarouge. L’initiative avait alors déjà alerté sur sa forme. Et si cette forme évoque logiquement Projet Blair Witch, le lointain Cannibal Holocaust ou le mitoyen Cloverfield, [Rec] fait une plus grande part à l’improvisation, ne confiant que des scripts incomplets aux acteurs afin de conserver un certain dynamisme naturel et un sens du réalisme.

Le film espagnol exploite au mieux son principe subjectif et anxiogène : les protagonistes s’attaquent directement aux spectateurs tandis que l’unité de lieu renforce la promiscuité. Le tout a des allures de train fantôme qui emprunterait ses recettes à Résident Evil ou Silent Hill (obscurité, énigmes, immuabilité). En effet, le spectateur se rend très vite compte que le destin doit s’accomplir et est noyauté par niveau. Mieux, que les principes d’articulation et le traitement effectué sont plus importants que la cohérence de l’histoire (pourtant estimable). Et, malgré les emprunts réguliers à Romero (maître des zombis), l’effet obtenu par l’absence de moyens souligne la relative intelligence du film face à la surenchère de blockbusters du type I am a Legend.

On ressort donc à la fois stressé et euphorique de ces 90 minutes sous tension. Un film qui malheureusement risque de rester inaperçu en raison de son amalgame avec d’autres avatars adolescents. Pour autant, il est vrai que [Rec] n’invente rien, ou peu, mais le film ne se permet ni temps mort, ni excès d’hémoglobine. La situation est limpide (contrairement au Projet Blair Witch) et ne souffre pas d’une caméra épileptique. La psychologie des personnages n’est pas poussée mais suffisante pour comprendre la paranoïa qui s’empare d’eux et pour partager leur angoisse. Sans nul doute, l’un des meilleurs films d’angoisse de cette année pour ceux qui sauront s’accommoder de la forme et de la version originale.

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Qu’elles soient positives ou non, les premières fois ont toutes en commun une dimension indélébile, sorte de passage initiatique à l’âge adulte où la fierté du groupe rencontre la timidité introspective. Le film, par sa douce transgression et son action en suspension, a fait de sa sincérité l’une des plus belles surprises de l’été 2007.

Le sujet de Céline Sciamma offre un deuxième regard sur la sexualité des teenagers, peu après le « Et toi t'es sur qui ? » de Lola Doillon. Initialement prévu pour n’être qu’un projet de fin d’études à la Fémis, c’est le réalisateur Xavier Beauvois (« Le Petit Lieutenant ») qui conseille finalement à Céline Sciamma de porter le scénario sur grand écran. Un bienfait car le film sera par la suite présenté à Cannes en 2007 dans la section Un Certain Regard et nominé 3 fois aux Césars. L’idée initiale repose sur les propres désirs confus de la réalisatrice, mêlés à l’imagerie kitch, nostalgique et féminine de la natation synchronisée. Trois amies adolescentes de 15 ans, Marie, Anne et Floriane vont toutes, chacune à leur manière, être en proie à l’initiation sexuelle. Chroniques d’une première fois inoubliable, le temps d’un été, où s’affrontent le regard de l’autre, l’insouciance et la découverte de son corps.

Contexte
Le film s’inscrit dans un sentiment constant d’intemporalité : absence de technologies contemporaine, de références datées ou de mode vestimentaire. Si quelques rares adultes apparaissent, les parents, eux, n’ont pas leur place ici. Ces adolescentes semblent ainsi livrées à elles-mêmes, illustrant au mieux le microcosme solitaire dans lequel navigue cette tranche d’âge. Cergy (Val d’Oise) sert également la langueur ambiante par sa juxtaposition de structures architecturales. Partant de ce fait, la piscine s’impose par son espace ouvert et esthétique, autant que ses sons étouffés en font un huit clos psychologique. Car, plus que jamais ici, le lieu fait office de métaphore parfaite du dévoilement et de l’exultation des corps, de l’introspection personnelle et de la moiteur des désirs.

Contenu
« Naissance des Pieuvres » impressionne par son condensé d’émotions, laissant une grande importance aux silences. La justesse de l’interprétation taillade les sobres plans de plafonds et les rêveries aquatiques. Dans les regards, les attitudes et les souffles, le spectateur devine sans peine les intentions des protagonistes entre l’angoisse de la norme, le soucis d’intégration, l‘affirmation et la découverte de soi. La distance imposée ne sombre jamais dans le voyeurisme facile ou l’intrusion violente, même face au saphisme. Et malgré quelques allégories, la franchise qui y domine extirpe le traitement du sujet des autres ambitions du genre. En témoigne la fraîcheur des premiers essais de Floriane et Marie présentes sur le Dvd. La musique du producteur de TTC est audacieuse, presque contemplatrice face à l’intrigue. Les tâtonnements apportent une grande crédibilité au sujet et n’autorise aucun jugement adulte. La morale amoureuse ne faisant pas loi, le non-dit dévoile plus que la parole, rendant caduc l’habituel teen movie abonné aux blagues potaches ou ses clichés mode. Un film juste, troublant et efficace qui renvoie à sa propre expérience.

Dvd
Le travail de numérisation sert ici magnifiquement le film par son approche contrastée et mesurée. L’unique piste Dolby Digital 5.1 offre une assise importante et dynamique à la bande originale. Un plus, tant les envolées électro, les respirations et les ambiances aquatiques ont leur place dans l’axe narratif. Les menus aussi prolongent l’esthétisme de l’affiche et du générique et participent de ce fait à la mise en place de l’univers visuel. Si l’on peut regretter la présence des traditionnelles bande-annonces et photographies de tournage, on prend plaisir à découvrir quelques scènes coupées et les premiers essais des comédiennes. Et c’est là tout l’intérêt de ces suppléments : on découvre peu à peu la tension et l’ambiguïté qui règnent entre les deux protagonistes, sans le moindre artifice stylistique. Même les scènes coupées laissent entrevoir les choix de la réalisatrice (suppression des signes de caractères trop évidents), préférant le soin au spectateur de se faire sa propre opinion sur les personnages. Des bonus qui préfèrent donc jouer la qualité plutôt que la qualité. Cohérent.

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La sixième collaboration entre Tim Burton et Johnny Depp signe une comédie musicale sanglante, récompensée par deux Golden Globes. Une fresque esthétique incroyable, inspirée par la pièce d’Harold Prince, qui risque de laisser malgré tout perplexes certains profanes.

C’est l’histoire de ce barbier sanguinaire figé dans la culture populaire. Un barbier anglais du début du 19^ème siècle qui tranchait la gorge de ses clients et se débarrassait de leurs corps avec la complicité de sa maîtresse Ms Lovett. Une légende popularisée par Thomas Beckett Prest (« The String of Pearls »), puis par la comédie musicale de Stephen Sondheim en 1979. Un mythe qui a même à la fois inspiré Charles Dickens dans ses « Contes des Deux Villes », un film en 1936 ou encore deux téléfilms (John Schlesinger en 1998 et David Moore en 2006). Et si le projet de Burton commença en 2001, d’autres voulaient également s’essayer à l’exercice comme Alan Parker ou encore Sam Mendes (avec Russell Crowe dans le rôle titre).

Ce qui marque au premier abord, c’est le réalisme des décors londoniens, sans utilisation outrancière des effets spéciaux. Tout y est noir, sali et brumeux. Les personnages, entre physique cabosé et prostituées, évoluent sur le pavé humide dans une ambiance industrielle cannibale. Et dans cette palette des gris, le sang obscène des victimes exerce un vif contraste volontaire. Le climat est austère et sombre pour mieux servir cette tragédie classique sur fond de vengeance, d’amour et de pulsions passionnées. Les assassinats n’épargnent aucun détail, donnant aux actes des giclées d’hémoglobines japonisantes (en attendant la version longue du film jugée plus gore). Et qu’importent les prises de liberté avec la comédie musicale initiale, « Sweet Todd » est très certainement l’un des plus beaux films de Tim Burton. L’esthétisme y est presque naturel et d’une très grande cohérence avec le reste de la filmographie du sombre réalisateur américain. De quoi ridiculiser « Vidocq » ou les anciens épisodes de « Chapeau Melon et Bottes de Cuir ».

Côté distribution, nous ne pouvons que regretter l’annulation de Christopher Lee (Dracula, Scaramanga, Comte Dooku ou Saroumane) qui avait véritablement sa place dans cet univers ténébreux. Sacha Baron Cohen y offre un personnage déjanté dans la verve de son Ali G et de Borat. Alan Rickman retrouve le charisme cynique qui l’avait fait connaître dans « Piège de Cristal » (Die Hard), bien loin de son rôle sous-exploité du professeur Severus Rogue dans la saga Harry Potter. Enfin, le casting est naturellement clôturé par Helena Bonham Carter, l’actuelle muse et femme de Tim Burton, aussi pâle que jamais. Tous, sans exception, ont accepté de pousser la chansonnette à contre-emploi de leurs prestations habituelles.

Et concernant Johnny Depp ? Il subsiste des acteurs que l’on prend plaisir à voir jouer avec leur maître : Danny Boyle et Ewan Mcgregor, Guy Ritchie et Jason Statham, Quentin Tarantino et Uma Thurman, Cédric Klapisch et Romain Duris, les frères Coen et Steve Buscemi, John Carpenter et Kurt Russel, etc. Le compagnon de Vanessa Paradis fait parti de ceux-là. Un acteur qui se surpasse entre les mains de son marionnettiste... Cependant, Johnny Depp, en proie à une grande inventivité, est par ailleurs condamné aux rôles lunatiques qui ne vieillissent jamais. Un art dans lequel il excelle, mais dont les nuances commencent étonnamment à être prévisibles : mimiques des lèvres, déplacement saccadé dans l’espace, jeux de mains, … Malgré tout, l’acteur propose un personnage tourmenté, enfermé dans le ralenti et dont les sourcils restent éternellement affaissés. Une sorte de best-of de ses personnages d’antan pour notre plus grand plaisir, d’où s’extirpe une violence infantile et introvertie.

Enfin, le traitement de l’histoire en comédie musicale est affaire de goûts et se discute indéfiniment. Si l’objet est singulier (une comédie musicale sanglante), certains spectateurs peuvent néanmoins regretter le répertoire utilisé. La chanson narrant le pacte entre le barbier et sa maîtresse est d’un humour noir saisissant, remportant facilement l’unanimité. Pour le reste, les nombreuses cassures de rythmes, la longueur des interprétations et la lourde orchestration (64 musiciens) ne rendent pas immédiatement assimilables les mélodies. Difficile donc de chanter avec les protagonistes ou d’en ressortir avec une des chansons en tête. Ce qui, en soit, est normalement une des missions d’une comédie musicale…

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