Le premier long-métrage de Jan Bonny a bénéficié d’une première mondiale au festival de Cannes dans la catégorie Quinzaine des Réalisateurs. En consacrant son sujet à la violence conjugale exercée sur les hommes - fait méconnu et sous-estimé - le réalisateur rappelle l’une des fonctions premières du cinéma au-delà du simple divertissement : interpeller et provoquer la réflexion.

Georg est un policier allemand, reconnu pour son apparente stabilité. Pourtant, sa vie conjugale bat de l’aile. En effet, lui reprochant sa lâcheté et sa constante empathie, sa femme Anne le bat dans l’intimité. Une situation inavouable socialement par Georg qui lui reste tristement fidèle. Le film se résume donc à une confrontation directe au sein même d’une intimité qui a su depuis longtemps s’isoler de l’extérieur. Pas étonnant de constater que la production du film fut confiée à Bettina Brokemper (Lars von Tier, Thomas Vinterberg). Sans renouvellement du cinéma réaliste, le sujet touche par son traitement classique et sans surenchère. L’absence d’artifice permet au contraire de mieux s’interroger en évitant le racolage et la généralisation du propos. Ici, la complaisance n’a pas sa place et les protagonistes ne sont pas manichéens pour autant, laissant libre le jugement du spectateur. La domination et l’humiliation font alors face sans que des mots puissent l’expliquer, constituant une des grandes réussites de ce film.

L’un
Le choix des acteurs est pertinent dans leur apparente banalité. Leurs physiques savent ainsi s’extraire du statut de victime. Impression renforcée par l’urbanisme vieillissant d’une Allemagne qui vit perpétuellement son deuil. L’homme affronte ses peurs silencieuses, encerclé par sa vie professionnelle (rivalités jalouses entre collègues) et sa vie personnelle (une femme névrosée d’une angoissante réalité, le chantage affectif de la belle-famille, des enfants déserteurs) que fera voler en éclat une promotion sociale. Seul, Georg s’enferme dans un jeu d’arcade pour pleurer dans une sublime métaphore du cocon qu’il ne fera partager qu’à une collègue tentatrice.

L’autre
A travers des regards, des gestes, le spectateur identifie notamment au fur et à mesure le manque de reconnaissance parentale d’Anne. Le personnage se déteste tellement qu’elle exerce un transfert évident sur son entourage. Mais si les coups sont accentués, l’histoire ne connaît pas le paroxysme qu’elle pourrait le laisser supposer. Au contraire, la folie se lit davantage dans les yeux de Anne que dans son hystérie. Là encore, le film ne se veut pas grossièrement démonstratif et parvient ainsi à nous atteindre et, comme son protagoniste, à nous blesser.

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> Dossier Hommes battus

Louis Schneider, flic au SRPJ et meurtri par des névroses obsessionnelles, mène une enquête sur un tueur en série marseillais. En parallèle, Justine renoue soudainement avec son passé lorsque Charles Subra, l’assassin de ses parents 25 ans plus tôt, risque d’être libéré de sa perpétuité pour bonne conduite. S’en suivent alors deux destins solitaires et blessés qui, une fois réunis, vont tenter ensemble de faire face à leurs drames familiaux. Et du passé, il en est autant question dans le fil rouge du film que dans le casting initial. A l’origine prévu pour Jean-Paul Belmondo, puis pour Gérard Depardieu, c’est finalement Daniel Auteuil, l’acteur le mieux payé du cinéma français, qui s’est vu offrir le rôle principal. Le titre du film fait d'ailleurs référence à l’arme de poing calibre 357 Magnum des ateliers Manurhin. Sorti en 73, ce six coups d’une grande précision est avant tout utilisé par des unités d’élite comme le GIGN ou le Raid. Un symbole de plus d’une police révolue auquel s’attache à décrire Olivier Marchal. Une nostalgie qui contraste cependant avec la stratégie de communication des studios qui ont invité une vingtaine de blogueurs influents pour assurer la promotion du dernier volet de cette trilogie.

Pose ton gun
« MR-73 » marque en premier lieu par son étrange résonance sur les problématiques perpétuité/récidive face à la rédemption et l’oubli développées récemment par Rachida Dati. Mais ce ne sont pas les seules évocations d’un cinéma du réel. Au-delà du scénario inspiré d’une histoire vraie, Olivier Marchal semble se cacher dans l’ombre de ses personnages. Tout d’abord sur le fond, l’institution et la morale bafouée écrasent ses garants dont le sacerdoce est donné en pâture aux guerres internes. Les affaires n’y sont jamais classées éternellement, se rappelant aux souvenirs de la mémoire ou de l’administration. On reconnaît aussi Marchal dans le traitement de l’intrigue, accumulant les personnages décalés et mal rasés, trahis par les siens et inhalant assez de fumée pour affoler n’importe quel ministre de la Santé. Attention cependant, une erreur s’est glissée dans une séquence, laissant un Daniel Auteuil allumer sa cigarette à l’envers.

Double détente
Il surgit alors un diptyque intéressant avec le précédent « 36 quai des Orfèvres » : la confrontation Paris / Marseille, l’ange déchu et le ripou, l’action face au mal qui ronge. Même la fin du film n’échappe pas à cette lecture binaire offrant la vie quand la mort en vole une. Pour autant « MR-73 » laisse entrevoir un aspect de la vengeance relativement différente. Il s’agit d’avantage ici d’une lutte – alcoolisée et obsessionnelle - pour l’éthique qu’une simple revanche personnelle. Et si le dynamisme fait parfois défaut au profit du réalisme, en témoigne la violence suggérée des scènes de crime, Olivier Marchal démontre qu’il maîtrise son univers. Lumières blafardes, caméra à l’épaule, entrepôts désaffectés, grain parfois abîmé de l’image… La patte du maître est bien présente. Son épouse, Catherine Marchal, se révèle être une beauté froide crédible, tandis que Guy Lecluyse, injustement connu pour sa voix dans l’émission « Motus », s’avère être ici un sbire malhonnête des plus impeccables. Quant à Daniel Auteuil, il joue sa partition sans véritable surprise mais sans fausseté, car on lui savait capable de la prestation au vu de ses précédents rôles.

En conclusion, « MR-73 » est un film noir et honnête, qui souffre malheureusement de la comparaison avec son prédécesseur, mais qui n’en fait pas pour autant un objet inintéressant. Reste que l’on regrette parfois une bande originale à peine angoissante de la part de Bruno Coulais (« Rivières Pourpres », « Les Choristes », « Brice de Nice »), une exploration psychologique sans réelle profondeur et un cadre nocturne peu appuyé, afin que le film atteigne enfin ses ambitions de départ.

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Deuxième volet du diptyque GrindHouse entamé par Quentin Tarantino (et son « Boulevard de la Mort »), le film de Robert Rodriguez, entre hommages et délires, s’attaque ici au mythe du zombi. Au bord de la frontière mexicaine, un virus militaire et volatile a transformé une partie de la population en « sickos ». La population est décimée à coups de crocs. La police locale se fait alors aider d’une femme unijambiste à la jambe-mitraillette et de son petit ami karatéka.

La mort vous va si bien
La saga évoque les films diffusés dans les Drive In américains. Si la première partie « Death Proof » joue les road movies meurtrier (« Duel », « Hitcher ») avec de grandes parties réservées aux dialogues, « Planète Terreur » épargne ici le blabla pour taillader directement la chair sanguinolente. Et contrairement au principe (4h de diffusion avec entracte), les producteurs et frères Weinstein ont préféré découper le film pour les pays non-anglophones peu habitués à ce genre d’exercice. Pour la bande originale, ce devait être au départ John Carpenter (« New York 1997 », « The Thing ») qui devait s'en occuper. Finalement, c'est Robert Rodriguez qui s'y colle (comme dans « Spy Kids », « Kill Bill 2 ») jouant sur une palette entre heavy metal motard, guitare solo saturée et ambiance mexicaine kitch. Pour le casting, le réalisateur s’est d'ailleurs offert une pléiade de guest-stars : Eli Roth (réalisateur de « Hostel »), Michael Biehn (« Terminator »), Naveen Andrews (le Sayid de « Lost ») et même un Bruce Willis en militaire.

Simulacres à la tronçonneuse
A trop vouloir sombrer dans le gore d’antan en privilégiant les faibles scénarii pour rester dans le ton, on en oublie parfois la compréhension du spectateur. Les références sont bien sûr nombreuses et malicieuses, mais l’action trop rapide ne favorise pas l’installation d’un climat de stress et d’angoisse. Au contraire, tout s’enchaîne à la moulinette sans prévenir et repart comme si de rien n’était. C'est fun, mais il y avait moyen de réactualiser le mythe. Et même passé le coup de l’ellipse temporelle (« la pellicule a brûlé ») qui s’avère très drôle, on éprouve une nouvelle fois de la difficulté à rattraper le fil. La classique et amusante scène de sexe entre le karatéka et l’unijambiste aurait pu être de la même manière traitée de façon plus malsaine et dérangeante. Rappelons-nous de la tortueuse tétraplégique de « Crash » (Cronenberg)... Un moment anthologique aussi glaçant que second degré ! Bref, l’intervention loufoque de Tarantino résume l’esprit général : les deux réalisateurs sont avant tout là pour se faire plaisir et respecter les faiblesses du genre.

Band of the dead
L’effet visuel est saisissant ! Car afin de respecter l’ambiance désuète propre au style, Rodriguez a tenu à vieillir son film en voilant et en imprimant un grain sur les images. Et rien que l'introduction du film marque le ton, nous plongeant direct dans l'ambiance en modernisant le code d'honneur japonais à travers un sacrifice de testicules. La distribution est joyeusement manichéenne et n’épargne aucun cliché, notamment l’astuce de cette unijambiste-mitraillette (comment fait-elle pour tirer toute seule ?) et un final jouissif sous le signe de l’espoir patriote. Le traitement n’épargne rien ni personne, faisant exploser les corps dans un feu d’artifice sanglant digne des productions nipponnes. Enfin, autre géniale trouvaille : l’intégration de fausses bandes annonces. Servis par un Rob Zombie déchaîné (« Halloween 9 », « Devil’s Rejects ») ou encore un Edgar Wright (« Shaun of the Dead »), ces spots laissent entrevoir un justicier abusant de la machette (« Machete ») ou un pastiche de la maison hantée (« Don’t »). 

En conclusion, Planet Terror nous offre un nanar chargé aux explosions d’hémoglobines, aux effusions de dialogues virils et nourri aux clichés américano-mexicains. Un régal pour geeks ! Certainement l’un des films les plus aboutis du tandem. Assurément l’un des moins accessibles au plus grand nombre. Et tant mieux !

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Ils sont en guerre ! Décidés à reprendre le pouvoir aux Etats-Unis, les Evangéliques organisent des camps de vacances pour enfants afin de former une future génération « spirituellement pure ». De l’effigie de George W. Bush qu’il faut embrasser jusqu’aux manifestations anti-avortement, le processus est en marche... Nominé aux Oscars 2007, le documentaire de Heidi Ewing et de Rachel Grady (« The Boys of Baraka ») arrive tout juste en France.

Le mouvement évangélique est une branche protestante qui possède 5 fondements : le biblicisme ( la Bible est la seule autorité), le crucicentrisme (seuls ceux qui croient que Jésus-Christ est mort sur la croix à la place de l'homme pêcheur seront sauvés), l'engagement militant (évangélisation des autres), la conversion (la « deuxième naissance » par le baptême) et enfin la pratique culturelle (exprimer sa foi avec spontanéité et émotivité). Ils représentent 38% de la population américaine, soit entre 80 et 100 millions de personnes. Aux élections présidentielles de 2004, les Evangéliques détenaient 53% des suffrages exprimés en faveur du président actuel, lui-même chrétien évangélique. Le documentaire filme ici des évangéliques pentecôtistes et « charismatiques », un mouvement radical en forte augmentation notamment connu pur ses actes de guérison.

Holly colonies de vacances
Dans « Jesus Camp », on change d’humeur au fil des images : dégoût, rire jaune, incompréhension… On est stupéfait par cette idéologie qui sévit dès l’enfance et on imagine sans peine le choc des cultures que va engendrer cette génération à l’âge adulte. Le film suscite donc la réflexion et le questionnement à travers le parcours de Becky Fishern, pasteur pour enfants et directrice de Kids in Ministry International. En fil rouge, on aperçoit l’avocat et animateur d’une radio chrétienne Mike Papantonio, s’opposant à ces pratiques. Le montage est intelligent avec notamment quelques cadrages astucieux et parfois même métaphoriques. Sans commentaire, ni voix off, la vérité n’est pas aussi abrupte que dans l’émission Strip-Tease. Au contraire, le film tente d’être le plus objectif possible, même si certains passages volés trahissent la pensée de l’auteur.

Une croix sur la morale
Il s’en suit une succession de scènes provoquant la stupeur. L’endoctrinement est assumé et affiché sous prétexte que certains camps radicaux de l’Islam utilisent les mêmes techniques de lavages de cerveau pour les 7-9 ans. La plupart de ses enfants sont instruits à la maison en pleine autarcie. On leur apprend l’histoire d’Adam et Eve, le refus du réchauffement climatique car le Seigneur reviendra les sauver, à se méfier de la Science , d’Harry Potter et du Diable sur fond de patriotisme pro-Bush. Certains de ces enfants prêchent eux même, écoutent du Heavy Metal chrétien, portent des bracelets rouges HWJC (« How Would Jesus Compete ? ») et pleurent de toutes leurs larmes pour lutter contre l’avortement.

La Passion du Christ
Un constat douloureux et instructif pour le spectateur. Les dérives que peuvent prendre ici la religion signent une approche binaire et l’aveu du génocide moral dont est acteur une partie de la classe moyenne américaine chrétienne. Les témoignages sont clamés avec une sincérité si authentique, qu’ils vous glacent le dos à la manière d’un film d’horreur. A une époque où la communication et l’image explosent dans notre société, ces radicaux se battent désormais à armes égales. Et, de manière cinglante, le film se conclue par une victoire des Evangéliques : la nomination à la tête de la Cour Suprême des Etats-Unis du juge intégriste Harriet Helen Miers. La guerre est commencée…