Dandysme incandescent, électro sautillante et new wave éméchée… Le 2^ème opus du quinquet parisien confirme que le rock peut encore surprendre le dancefloor, et inversement. Après quelques amorces sur David Lynch, les films nanars ou les bars parisiens, rencontre avec le crooner trash Nicolas Ker et le soundwriter destroy Laurent Bardainne.

Comment s’est réalisée la signature avec le label Tiger Sushi ?
Laurent : Venant du jazz, nous avions le fantasme de jouer du rock. A l’origine, nous avions une formation trip-hop chiante du nom de Crépuscule, avec une chanteuse. Vu que nos nouveaux morceaux sonnaient new-wave, on a donc tenté de se rapprocher de The Record, mais le patron du label est un filou. Il nous a orienté vers une fausse adresse et nous sommes tombés par hasard sur Tiger Sushi. (Rires) On a ensuite passé une annonce pour un chanteur. Je crois même que j’ai encore la lettre de présentation de Nico !

Qu’est-ce qui a évolué avec ce 2^ème album ?
Nicolas : Nous avions une volonté pop. Un « Poni Hoax for sale » avec une collection de singles, juste pour le fun ! (Rires) Etant donné que certains viennent du conservatoire ou du funk, il y avait de la rigueur et tout s’est mis en place rapidement
L : Le leitmotiv était la danse, même si Nico déteste danser. Quelque chose qui tienne la route, à côté d’un batteur qui joue avec Rokia Traoré ou d’un guitariste qui voulait de la noise. Finalement, en écoutant les Daft, je me suis rendu compte que l’on pouvait faire une musique subtile et danser dessus sans complexe. C’est devenu une évidence et il ne nous a fallu que 3 répétitions pour rentrer en studio.

Au vu de votre musique, êtes-vous nostalgiques ?
L : Les Stones et les Doors sont notre seul compromis dans le groupe, même si on ne peut pas nier des influences comme The Cure, ou Daho… Mais oui, ce n’est que l’accident qui peut créer l’inédit.
N : J’ai fait Math Sup et je peux vous dire que rien n’est stable, même dans les mathématiques. La Science, c’est le doute permanent.

D’où vient l’idée du personnage de Sigrid qui donne son nom à l'album ?
N : C’est une nana mannequin, que nous croisions souvent dans les expos. De là est venu l’idée d’un thème général sur la surconsommation de culture et de communication.
L : Et puis, c'est un nom qui claque ! De manière symbolique, Sigrid est d'ailleurs venue faire les chœurs sur un de nos morceaux. Nous voulions parler de la solitude des gens dans les grandes villes et Nico était célibataire à l’époque... Aujourd'hui, on a tous une obligation de bonheur et une addiction aux moyens de communication, style e-mails et SMS. A New-York, je me suis senti seul au monde…
N : C’est dingue ! Pour qu’ils se parlent, il faut une interface entre les individus. Le besoin d’un objet transitionnel. Je pense que les gens devraient pousser le trip à donner des noms d’animaux à leurs objets. (Rires)

Vous avez besoin d’une thématique par album ?
N : Ca permet d’ouvrir les vannes. Il n’y a pas de libertés sans contraintes. Les textes à thèse, j’essaie de les ouvrir à l’interprétation, de la même manière que Lynch a un rituel strict et se laisse porter par l’inconscient collectif. C’est le ressenti personnel qui en oriente ensuite le traitement. Le matériau de base n’existe pas. Seul l’esthétisme est maîtrisé ! Le temps est linéaire : tout procède par plagiat. On ressasse les mêmes thèmes et la nouveauté est une illusion progressiste.

Comment expliquer votre récente surexposition ?
N : Les mauvaises critiques nous font aussi rire. Par exemple, il y a un blog qui a dit que nous avions des têtes de Pow Wow. J’ai trouvé ça génial ! (Rires) C’est notre côté masochiste. On considère que c’est déjà cool qu’on parle de nous, et sans égocentrisme. On n’est pas successible.
L : Le côté hype vient de notre label électro. Pourtant, si nous traînons au Paris Paris, on traîne aussi dans les troquets du 18^ème. Nous ne connaissions pas tous ces djs avant.

Comment appréhendez-vous les remixs de vos chansons ?
N : Le remix de Chloé était une tuerie. Etant donné que la musique nous échappe à la base, il n’y a aucun problème pour que quelqu’un se l’approprie.
L : C’est toujours hallucinant de voir que des titres écrits dans une chambre sont ensuite repris par d’autres. Par exemple, le remix de « Budapest » par Joachim était très touchant.

Quel regard porte les autres pays sur votre travail ?
L : Nous avons beaucoup joué à l’étranger. Il n’y a qu’en France que les gens se prennent la tête sur notre anglais. A l’extérieur, on focalise juste sur le fait de faire un bon concert. C’est tout. Nous, pendant ce temps-là, et même si nous ne gagnons pas trop de sous, on voyage.

Réfléchir au prochain album, c’est se maintenir en mouvement ?
N : On parle déjà du suivant parce qu’on s’emmerde. La pochette, les notes, le thème…
L : C’est aussi pourquoi nous avons des projets parallèles. Sinon, je vais jouer à Wow. (Rires)
N : Et moi à Call of Duty !
L : C’est la phase la plus tripante, car le produit fini est très peu intéressant. Nous pouvons encore améliorer les lights et les clips. Et puis, quand je vois avec quelle galère nous débattons sur les photos, je me dis que c’est justement là que nous sommes avant tout musiciens...

De quoi parlera ce troisième opus ?
N : De la guerre, mais sans sombrer dans la lamentation ! Je viens du Cambodge. Je suis un war baby. C’est vous qui êtes traumatisés, pas nous. En France, on est très protégé alors que la guerre est une valeur commune entre les peuples et les générations. Par exemple, je veux raconter l’histoire de cet ambassadeur américain en Iran qui baisait comme un fou le soir... La guerre, c’est aussi intime et la vengeance est contagieuse. Je pense aborder le thème à travers le déchaînement sexuel que cela provoque. C’est Léonard Cohen qui disait « La guerre a été faite par les vieux pour pouvoir baiser les femmes des jeunes. » (Rires)
L : J’ai moi aussi une fascination pour la folie ultime. La guerre est un état naturel. Mais, ne vous inquiétez pas, nous allons crypter tout ça. Le pire, c’est que Nico est assez fort pour écrire un texte en une seule après-midi.
N : La musique est préexistante. Quand on est disponible, pas besoin de batailler, toutes les influences se déversent d’un seul coup…

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Lunettes fumées, chaussures en cuir, cheveux en bataille et aussi mythique que certains groupes présents dans l'Espace Presse de Rock en Seine 2007... Pas de doute, c'est bien le rédacteur en chef de Rock&Folk qui se tient là, observant, amusé, les artistes qui défilent en conférence de presse.

En vieux rocker, quel regard portez-vous sur le festival ?
C'est une chance ! Paris, la ville lumière, s’était déjà essayé à l’exercice du festival rock il y a quelques années au Parc des Princes, avec une affiche réunissant aussi bien les Rage Against the Machine que NTM. Malheureusement, personne n'est venu. Mais la nouvelle génération est différente. Je reviens de 3 festivals et c'est fou de voir ces gamins avoir autant besoin de lives. D'autant que l'affiche ici est intéressante. Ca change de Muse et Artic Monkeys que l'on a eu tout cet été.

Vous êtes venu pour des groupes en particulier ?
Je suis là pour Arte et pour voir The Jesus and Mary Chain, évidemment. Il y a aussi The Horrors, mes petits chouchou, Kings of Léon que j'ai vu 3 fois, et Bjork la grande prétresse électro. Bien sûr, je suis triste pour Amy Winehouse, mais après l'avoir vu à Bénicassim, nous nous doutions qu'elle ne sera pas là aujourd'hui. La pauvre avait plein de bleus... Mais c'est le prix à payer ! C'est pour ça que je suis toujours admiratif des gosses de 23 ans qui assument des scènes aussi grosses.

Pour autant, nous vous aurions plus attendu sur les festivals anglais de ce week-end...
Ici, c'est chez nous ! Je suis très couleurs locales... Et c'est important que l'on soutienne notre scène. Cela permet de pouvoir placer des bonnes premières parties sur des concerts comme celui d’ Iggy Pop, par exemple. Fini d'être seulement exportateur.
Et puis il faut dire qu’aujourd’hui il n’y a plus de codes. Avant, il fallait une pédale Wah-wah et un ampli Marshall pour être rock. Les choses ont changées maintenant. Ca fait donc des festivals moins monochromes. Biensûr, il manque un vieux nom comme The Who, mais le public actuel ne vient plus que pour de la découverte.

Etre rock, c'est avoir un pantalon en slim, un bombers et une mèche rebelle ?
C'est un facteur de reconnaissance ! Dans les années 60, c'était les cheveux longs. A Berlin, j'allais par exemple voir les chevelus pour leur demander des disques pirates. Ca paraissait logique. Chaque mouvement a sa panoplie et tant mieux.

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Paris sous le crachin, un lundi matin. Rendez-vous donné à 9 heures. Heureusement, l'ambiance « chic & sexy » de l'hôtel Kube, avec ces canapés en fourrure et ces fauteuils-bulles, nous replonge dans la chaleur ouatée de la couette. Dandy gominé, pull col en V, les yeux encore encombrés de sommeil, Gonzales attend. Camille se fait désirer. Elle arrive désolée et emmitouflée. Thé vert pour l'une, café noir pour l'autre. Canada / France, match au sommet et première rencontre pour les deux artistes, qui se sont croisés sur un festival suisse sans oser s'aborder. Ils sympathisent, plaisantent, s'échangent des conseils. Les différences apparaissent avec la complicité. Prélude d'un ping-pong autour de la création et de la pop.

Tous les deux, vous portez une très grande attention à mettre en scène votre musique.
Camille : La pop, c’est plus que des chansons. C’est une globalité, un univers, un esprit autour des chansons. Je sélectionne et j’arrange les chansons en fonction de cette couleur musicale. C’est pour ça que je m’attache beaucoup à la production.

Gonzales : Pour moi, c’est une évidence : il ne faut négliger tous les à-côtés de la musique. Pendant des siècles, les artistes l’ont fait. Il y a le contenu - la musique, mais aussi le contenant, dont il ne faut pas se foutre. Respecter la musique, c’est aussi trouver son équivalent visuel, scénique et même philosophique. Ne pas le faire, c’est nier la communication. Ne pas construire un univers autour d’un album, c’est une insulte faite au public.

C : Si tu ne fais pas ce travail-là, on le fait à ta place et tu deviens un produit marketing. Et tant mieux, d’ailleurs : ça nous oblige à le faire. Je ne pense pas que Mozart se prenait la tête sur des couvertures de disques... (Rires)

G : Oui, mais il se prenait la tête pour savoir comment il allait se comporter à la Cour, comment il allait faire son entrée... D’ailleurs, son pote Salieri n’a pas fait ce travail de recherche. Il n’a pas osé. Il a fait la même chose que Mozart, mais il n’a pas construit d’univers autour de sa musique. Il pensait que la musique suffisait. Peut-être respectait-il trop l’acte de création pour le salir avec ces questions. Résultat : les gens se sont fait une image fausse de lui, celle d’un conformiste. Tout ça à cause de son manque d’audace.

Le français, l’anglais, ce sont des matières sonores indifférenciées ?
G : Pas du tout. Moi, je n’oserai jamais enregistrer en français, parce que j’ai un accent quand je chante, et que pour moi, chanter ne peut pas correspondre à ce manque de maîtrise. (S’adressant à Camille) Mais, toi, tu chantes sans accent - ton lead est souvent en anglais. Et quand tu chantes en français, c’est toujours plus détaché. C’est plus comme un chœur grec…

C : Sur Le Fil, j’avais en tête cette idée de chœur qui commente l’action. L’anglais est pour moi, plus dans la spontanéité et le français reste la langue de mes études, de l’analyse et des nuances. Et aussi de mon inconscient. L’anglais lui permet d’aller droit au but, d’aborder des sensations plus viscérales, à la fois les plus élémentaires et les plus profondes, plus universelles - « I love you », « I am hungry »... La pop anglaise a cette possibilité-là de faire sonner les mots les plus simples, contrairement au français. Regarde toute la musique noire-américaine. I will survive¸ c’est très simple et en même temps, hyper puissant : tout part de l’intention !

G : Ou Staying alive…

C : Ou Staying alive. Toute la tension y est tellement incarnée. En français, pour que ça soit incarné, tu dois raconter quelque chose. En revanche, le français tire sa force des sons, avec des consonnes, idéales pour le drame ou le réalisme à la Piaf. Quand elle chante, elle s’appuie sur les consonnes. Elle s’enracine. En plus, il s’agit d’une langue latine parfaite pour adapter par exemple, un standard brésilien, grâce à toutes les consommes percussives et fricatives. L’anglais, c’est plus du chewing-gum. Tu peux te mettre en bouche les voyelles et les faire durer des heures.

G : Quand j’enregistrais, il y avait dans le studio, un  chanteur français de R’n’B. Parfois, entre deux prises, je l’entendais chanter et je n’entendais que son accent français. Rien que son « oh oh » sonnait faux. C’est pénible de vouloir plaquer l’anglais sur le français. L’inverse, aussi. Par exemple, l’album Monsieur Gainsbourg¸ ils ont traduit du Gainsbourg en anglais. Ce n’était pas terrible.

C : Tu ne peux pas traduire des mélodies parce qu’elles sont indissociables d’une langue. Le problème de la pop actuelle, c’est qu’on se calque sur la pop anglaise. Du coup, on pense que l’allemand ou le français ne sont pas des langues musicales.

G : Et Schubert, ça sonne mal ? (Rires)

C : Toutes les langues génèrent un imaginaire, des rythmes, des mélodies. Dans Music Hole, j’ai fait le choix de l’exactitude [Ndla : de la prononciation]. Je voulais faire des chansons, qui comme des standards, racontent des histoires, qui puissent vous embarquer. D’ailleurs, mon coréalisateur, Majiker, est anglais et si ça n’allait pas, il me le signalait. En revanche, dans God is sound, ce qui m’a intéressé, c’est le travail des sonorités. Mon propos n’est pas d’être dans l’exactitude. Je ne parle ni arabe ni chinois. Ce sont des matières sur lesquelles je vais improviser.

Alors, quel rôle joue la spiritualité dans la création ?
C : En fait, je déteste parler de spiritualité : c’est très intime et ça peut être très vite galvaudé. Mais à propos de la musique, et de la voix en particulier, il y a effectivement une vibration assez cosmique : ça part en soi, se diffuse dans un lieu et atteint les autres. La musique relie au monde.

G : Camille ayant une approche scientifique de sa voix, peut-être y trouve-t-elle quelque chose de mystique. Moi, c’est l’inverse : j’ai une approche scientifique de la musique, je me concentre sur l’harmonie…

C (l’interrompant) : C’est un truc incroyable, l’harmonie ! Ce sont des lois qui nous dépassent totalement !

G : La mélodie, c’est extrêmement cérébral. Le rythme, plus corporel. Et l’harmonie joue sur les émotions. C’est ce qui a le plus de pouvoir. C’est le plus dur à quantifier et à maîtriser. Comme j’ai longuement étudié les harmonies, j’y vois peut-être moins de mystère que Camille. En revanche, comme je ne maîtrise pas le chant et que le son de ma voix est plus instinctif, j’ai un rapport plus mystique avec les mots que je chante. Et l’effet sur le public est tout aussi mystérieux. C’est ce qui donne du pouvoir à la musique.

Et le pouvoir vous intéresse ?
G : Bien sûr ! C’est la raison pour laquelle je fais de la musique. J’ai besoin d’exercer ce pouvoir ; c’est dans mon caractère. Ce qu’il y a de bien dans la musique, c’est que les gens viennent à tes concerts et paient pour que tu exerces ton influence sur eux. Ils veulent être manipulés. C’est beaucoup moins dangereux ainsi que si j’avais été homme politique…

C : Dans la musique, le pouvoir n’est pas qu’en toi. Tu es un médium. Même si tu maîtrises tout sur scène, tu jouis tout de suite des effets de ce pouvoir sur le public. Tu as un retour immédiat. C’est hyper épanouissant.

G (avec un fort accent québécois) : Ça tue sa mère, Christ !

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> 1ère partie de l'interview
> Chroniques albums
(entretien réalisé avec Sylvain Dépée)

Skate sous le bras, François Maurin étonne au naturel tant la pochette et la musique de son premier album l’ont érigé en dandy classique. Pourtant, la culture rock est bien là avec pour preuve ses reprises de Blondie ou des Stranglers sur fond de cordes aériennes. Pas de doute, le Neil Hannon parisien sort du lot et touche par son humilité.

Même si ce sont des initiales, utiliser F.M. comme pseudo peut évoquer - à tord - l’esprit mainstream…
Ce qui m’a plu, c’est l’ambivalence de cet acronyme, sous-entendant à la fois la diversité et le formatage. Il faut transcender le genre avec une ampleur élastique pour qu’il parle aux gens. Moi, je pousse la pop music jusqu’à sa limite. C’est un jeu. Une recherche de l’efficace. C’est pour ça que nous avons rajouté - avec humour - la mention « New Popular Music. »

Populaire ? Pourtant les titres ne ressemblent en rien à la variété française…
Le mot est galvaudé. Moi, j’en revendique l’aspect noble. Il faut savoir parler au plus grand nombre, pas dans le sens de la longueur, mais dans celui du niveau d’écoute. Faire de la pop ne devrait pas être dégradant. Je fais de la musique à tiroir, simple et évidente. Une musique « inspirée de quelque chose... » Je trouve que c’est la moindre des choses.

Comment s’est construit l’univers visuel de l’album ?
Les retouches photos sont un passe-temps. Je rêvais d’un monde baroque et romantique. Une sorte de groupe de rock du 19^ème siècle qui en supprimerait le superflu. Quelque chose qui nous relie au temps passé avec cette question obsédante : « Est-ce que mes ancêtres auraient aimé ce que je fait ? » C’est pour cette raison que nous avons opté pour Renaud Letang [Ndla : Katerine, Gonzales, Manu Chao] au remixage. Il comprenait mon approche rock. Quoi qu’on en pense, ma vie musicale s’est effectuée dans un casque… J’aime l’effet sonore.

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